手把手教你写《《园丁》的读后感》,（精选5篇）

更新日期:2025-05-18 01:11

写作核心提示：

写一篇关于《园丁》的读后感作文时，以下事项需要注意：
1. 确定主题：首先，明确你的读后感要围绕《园丁》这本书的哪个方面展开，如人物、情节、主题思想、写作手法等。
2. 结构清晰：一篇好的读后感应该有明确的结构，一般包括引言、主体和结尾三个部分。
3. 引入部分： - 简要介绍《园丁》这本书的作者、背景、故事梗概等基本信息。 - 表达自己对这本书的阅读感受，可以是一个引人入胜的疑问、一个深刻的印象或者一个强烈的情感。
4. 主体部分： - 分析书中的人物形象，如主人公的性格特点、成长经历、与其他人物的关系等。 - 探讨故事情节，分析情节的设置、发展、高潮和结局，以及它们对主题思想的体现。 - 阐述主题思想，可以从多个角度进行分析，如人生哲理、社会现象、道德观念等。 - 评价写作手法，如叙述方式、描写手法、修辞手法等，分析其对作品表达效果的影响。
5. 结尾部分： - 总结全文，概括自己的观点和感受。 - 表达对作者的敬意，以及对作品价值的肯定。 - 可以提出自己的思考，如对书中某些问题的疑问、对现实生活的启示等。
6. 语言表达： - 使用准确、

做一个幸福的教育者——读《致教师》有感

“教师，不是园丁，教师本身应该是一朵花儿，教育是师生相互作用的过程；教师，不是蜡烛，教师不能以化为灰烬作代价，一次去照亮学生；教师，不是春蚕，教师的故步自封才会作茧自缚，心灵的成长来自每个季节；教师，不是人类灵魂的工程师，没有谁的灵魂是机器，能用某种工艺任意修理完成；教师就是教师，与学生是相互依赖的生命，教师就是教师，每天都在神圣与平凡中穿行；我是教师，伟人与罪人，都可能在我这里形成，让人如履薄冰；我是教师，心底里喜怒哀乐翻滚，黑板上天高地远开阔，脚板下三尺讲台扎根；我是教师，这是一份职业，更是一个志业；我是教师，这是一份职责，更是一种使命；我是教师，缓缓显形，终见此生天命；我是教师，以现在求证未来，让生命幸福完整。”

读起朱永新教授《致教师》中前言部分的这段文字，我感觉心底里多年不敢触碰纠结豁然开朗。它就像一股甘甜的清泉，慢慢浸透我因倦怠而即将干涸的心田，为我在三尺讲台上的继续耕耘注入了新鲜的活力。同时，我对自己的职业生涯也有了一个全新的认识，更加坚定了我无悔的信念。在爱的奉献中幸福的成长，在幸福成长中获取爱的能量，我要把这爱的能量源源不断的传递给我的孩子们，成就他们幸福地成长。

我得到《致教师》这本书，源于一位朋友无私的馈赠。只读了一篇，我就如获至宝。闲暇之余，或者在教育教学中遇到棘手的难题时，我就捧它在手，用心研读。多少次，它如一曲梵音，化去我内心的浮躁，似一股灵泉，满足我成长的渴望。《致教师》是朱永新教授的力作，它通过对一个个生动的案例针对性的加以剖析、深究，让无数教师走出迷茫，鼎力前行。书中教师们遇到的问题、困惑，经历的故事多是我们曾经遇到的，并且有些问题是我们在教学活动中苦苦思索也不得解的。读后，我感悟最深的还是如何在教师这一职业中体会到幸福。

人人都在渴望幸福，人人都想沉浸在幸福中。那么，幸福是什么?朱教授在书中告诉我们，“幸福是一种动态的追求，反应了人当下的一种心态”。“幸福应该是在创造中的，幸福应该是在服务中的，幸福应该是在研究中的，幸福应该是与别人分享的”。教育，恰恰是具有这些共同的特征。因此是教书育人是让人们幸福的一件事。掩卷沉思，在我二十多年的教育生涯中，我可曾感受过如此的幸福，答案是肯定的。在朱永新教授的启迪下，我开始细细品味正在经历的幸福。

班里有个成绩非常优秀的女生，她圆圆的小脸，短发，身体瘦瘦的，经常是略带羞涩而又呆萌。我每次和她谈话，她都是支支吾吾，一句很顺畅的话也说不出来，声音小的我要极俯身侧耳去听，才可以听得见。她从来不敢正眼看人，目光总是躲躲闪闪。我带着为师者的疑惑，为母者的爱心，详细了解了她的情况：父母离婚后，父亲再婚，母亲远嫁。她被留在父亲这边，但父亲不管她，后母经常无端的打骂她。她只能从年迈的爷爷奶奶那里得到温暖。她渴望母爱，可她连母亲在哪里都不知道！她小小的心里装的满是自卑，即使她每次都是全班第一，她都没有丝毫的自信。我真的心疼处于如此境遇中的这个孩子，于是，就把女儿穿着小点的，款式和质地还都挺好的衣服送给她。她极礼貌的拒绝，话里话外表达的是“我不能要老师的东西，不能让老师花钱”。在我一再的坚持与劝说下，她怯怯地收下了。第二天，我的办公桌上多了一袋油桃般大的黄杏，上面还附带了一张小纸条：“老师，谢谢您！这杏儿可甜了，爷爷一个一个从树上摘下来，洗干净了的，你一定要吃！”同事们惊叹，“哪来的这么大的杏儿！”当时，一股暖流从心底涌起，这就是幸福啊！这一刻，无关名利，只是爱。

但是，在当下，有些人仅仅把教师当做一种职业，一种养家糊口的营生。这种想法让他们感到郁闷，烦燥。每天从事着视之为鸡肋的工作，无奈，纠结，没有幸福可言。为什么会这样呢？从朱先生的书中我找到了答案。书中提到，人的幸福大概有三个重要的方面：一是人与外部物质世界的关系；二是人与人的关系；三是人与自己的关系。最大的幸福来自人与自己的关系。人与自己的幸福在哪里？在自己的梦想里，你大胆的去想，大胆的去努力，大胆的不断的超越自己，才会得到最大的幸福。你抱怨，是没给自己设定一个奋斗的目标，没有目标当然就没有成就，没有成就，就看不到自己的价值，又怎么会体会到幸福？我庆幸自己在用爱滋养孩子们的心灵，这就是我的目标，永不驻足，终生追求的目标。

朱教授说，教师的幸福还来自专业成长带来的事业成就与生命尊严。对一个教师而言，自己的专业成长是非常重要的。如何成长？唯有读书。教师读书就如同战士喜爱钢枪，吃货酷爱美食。读书应成为每个教师一生的挚爱。但是，教师队伍中的一些人，当然也包括我自己在内，工作中，只读教材和教参，闲暇时，只读一些碎片化的文字，这样对教师自身的成长是很不利的。没有新的教育教学思想浸润的教师是不会迅速成长的，也不会有长足的发展的潜力。正如朱教授所说：“你的阅读生活，绝不仅仅是帮助你获得知识，获得教育的智慧，更重要的是帮助你拥有宁静的心态，儒雅的姿态，积极的状态。”教师应该在灵魂深处储存一座精神宝藏，从中不断的获得心灵和精神地完善，“勤者因书而富，富者因书而贵”。教师更应该从书中汲取营养，获得成长的幸福。

作为教师，应该关注到每一个生命，关注到每一个跟孩子们在一起的日子，关注到每一个课程，才能让自己和孩子的生命都能得到丰富的滋养和最美的呈现，真正的做到：教师享受教育的幸福，学生体验幸福的教育。

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百年无极：沿着大师的足迹

《圣米歇尔广场与圣礼拜堂》 拉法埃利

《静物》 乔治·莫兰迪

《朝露》 埃米尔·克劳斯

《罗斯福·吕塞侯爵夫人》 乔瓦尼·博尔蒂尼

《被中断的游戏》 阿德里亚诺·切乔尼

《安茹码头》 莫里斯·郁特里罗

《浴火的风景》 勒内·马格利特

《园丁》 文森特·凡·高

《成角的线条》 康定斯基

◎王建南

展览：百年无极——西方现当代艺术大师作品展

展期：2022年7月23日-10月30日

地点：中华世纪坛

大师们的真迹又来了！近日在中华世纪坛开幕的“百年无极——西方现当代艺术大师作品展”汇集了凡·高、莫迪利亚尼、毕加索、康定斯基、莫兰迪等46位影响欧洲现当代艺术发展的顶级艺术大师的62幅艺术珍品，如同一串项链，串起近百年来西方绘画艺术与社会面貌。

流派众多的古典主义

西方传统艺术自14世纪初被尊为“欧洲绘画之父”的意大利人乔托·迪·邦多纳所开启，至文艺复兴时期达到第一个顶峰，再经巴洛克时代到洛可可时期，西方艺术的中心已从意大利迁至法国。从18世纪末到19世纪上半叶，法国经历了三次资产阶级革命，对欧洲艺术的进程产生了巨大的冲击。自文艺复兴以来确立的古典艺术审美准则和创作标准逐渐发生了变化。这一时期，新古典主义占据了主导地位。它一方面反对洛可可艺术的繁复和过分雕琢，另一方面又与革命精神紧密联系，借用古代英雄主义题材和历史题材喻古讽今。法国新古典主义美术从大卫到安格尔，取得了最突出的成就。几乎与新古典主义诞生于同一时期的浪漫主义萌芽于德国和英国，兴盛于法国，波及西班牙和意大利，前期是英国的透纳，后期则统领在法国的德拉克洛瓦麾下。

随着资本主义的迅速发展和工业革命的深远影响，一些艺术家对现实生活、劳动者、大自然等主题加强了关注。这种观照世界的新视角被称为“现实主义”。19世纪40年代至80年代，现实主义运动在法国迅速扩展，涌现出如库尔贝、米勒和杜米埃等画家。

1850年-1860年，在意大利佛罗伦萨形成了一个代表写实主义传统的画派，名为“马基亚奥利”。“马基亚”（Macchia）在意大利语中意为“斑点”。这一画派专注于光影效果，色彩以斑块状呈现。作品着力描绘新兴社会阶层的私人家庭生活或乡村生活，主张艺术要生动，并真实地反映社会，推动了欧洲的写实主义运动发展。这个画派的先驱是科斯塔，最突出的是法托利，而蒂沃利则将法国巴比松画派的风景带回意大利，拓展出不少新的光影表现手法，早于印象派，预示着印象主义时代即将到来。

展览中属于这一画派的作品尽管创作于二十世纪初，但还是遵循了这一画派的色彩及运笔规律。意大利画家普利尼奥·诺梅里尼的《妹妹》和比利时画家埃米尔·克劳斯的《朝露》带有印象派的特点，在水准上却与印象派大师们相差甚远。乔阿基诺·托马被誉为“灰色诗人”，作品的色彩表达柔和含蓄，画面刻画细腻，令人想到17世纪的荷兰大师维米尔。此次来展的《狱中的路易莎·圣菲丽丝》为托马的代表作，画于1874-1875年间。他一生创作过两版，将圣菲丽丝这位意大利共和国历史上的爱国主义女性形象真切地刻画了出来。

作为意大利浪漫主义最杰出代表的弗朗西斯科·海耶兹连接了新古典主义和浪漫主义，他一生漫长多产，创作题材广泛，神话、宗教、政治、历史等均有涉猎。相对于新古典主义，他画作中蕴含着更为丰富的情感，因此他常被归入浪漫主义派。本次来展的《浴女》是个传统题材，取材于古希腊神话，刻画了狩猎女神阿尔忒弥斯在林中沐浴休憩的情景，她坐在溪岸边，身姿迷人，四肢精致。历代画家都曾以此为题作画，其中以法国洛可可艺术代表画家布歇最为经典。

另一位意大利画家乔瓦尼·博尔蒂尼在当时以肖像人物画闻名，他旅法后实现了自己的艺术成就。他在巴黎生活期间，悉心观察和研究巴黎的风俗和人物，非常注重色彩和技巧的运用，往往采用虚实结合的笔法和柔滑细腻的色调，再加上对光线和色彩的把握，刻画了众多巴黎上层社会的名流，尤其是贵族女性。本展中的《罗斯福·吕塞侯爵夫人》充分体现了这些特色。擅长营造空间的阿德里亚诺·切乔尼在《被中断的游戏》中借一个失望的小男孩，凝固住了家庭生活的某一瞬间，画面中层层推进的房间结构，其来源可追溯到西班牙大师委拉斯贵兹的《宫娥》。切乔尼还是一位讽刺漫画家，曾受聘于《名利场》杂志。

若比赛谁笔下的巴黎最美最独特，让·弗朗索瓦·拉法埃利的《圣米歇尔广场与圣礼拜堂》显得中规中矩，画面上的透视严格遵照古典主义模式，观画者的视觉消失点被安排在左右对应的广场大厦之间的后方。而紧挨着的《安茹码头》陡然将透视的难度增加了一倍，塞纳河在这一段拐了个大弯。法国画家莫里斯·郁特里罗抓住这一点不放，大做文章：堤岸伴着河水呈弧形转弯，更上一层的街道也是如此，一幢老式的楼房也跟着“华尔兹”般旋出了弧度，行人也加入到旋转的行列中，由远及近地走来。最引人注目的是岸边的一排高大树木，已经预感到春天的气息，枝条像渴求被拯救的双手，拼命探向天空，淡淡的蓝天，辽阔明澈。郁特里罗用色细腻丰富，同时加入了主观色彩的表达。他活到72岁，画了一辈子巴黎的大街小巷，毫无疑问，他的艺术天分来自于母亲苏珊娜·瓦拉东——这位生活在社会底层的女人，长年混迹于蒙马特高地穷画家们中，几乎做遍了他们的模特，德加、雷诺阿、劳德累克等人的画中多次出现她的身影。被画的次数多了，瓦拉东也上了绘画这条船，自我培养成了一位足以列入西方现代绘画史册的女画家。

回归绘画本质的现代主义

古典主义绘画主要是围绕着故事转，离不开宗教、神话、历史等背景，而从法国画家塞尚开始，绘画回归本质，形状和色彩才是一幅画的主角，而非情节。塞尚主张运用色彩对比来表现物体，而非传统的明暗关系，他采用色的团块表现物象的立体和深度，利用色彩的冷暖变化造型，用几何元素强化形象，这一系列观念颠覆了传统的西方艺术，为二十世纪指明了发展方向，塞尚因此被誉为“现代艺术之父”。

可惜本展没有他的作品，但来了一幅凡·高的人物肖像《园丁》，何况还有与毕加索早期艺术生涯关系紧密的意大利画家莫迪利亚尼。莫迪利亚尼的人生只有短短36年，比凡·高的生命还少一年，但却在塞尚现代艺术理念的引导下与毕加索等人一道从非洲原始木雕中汲取了创作灵感。毕加索开拓出立体主义，莫迪利亚尼以弧线表现人物的内在气质与外在姿态，成为表现主义的代表。本次展出的《汉卡·扎布罗夫斯卡肖像》是其晚期杰作。画上女士作为他重要的艺术赞助人，不仅欣赏他的艺术风格，还在他因病去世后照料了他3岁的女儿。

凡·高与莫迪利亚尼尽管艺术才华横溢，却因生命短暂而在艺术史上留下了诸多遗憾。幸好还有两位长寿者马蒂斯和毕加索，在漫长的艺术生涯中，分别从强调色彩和强调结构两个方向大大拓展了塞尚的理论。马蒂斯的三件人物作品大大减弱了明暗对比的强度，他注重线条的表现力，仅凭线条的变幻即可塑造出人物的情绪变化。毕加索来了三幅版画作品，其中两幅为多格漫画，讽刺了西班牙佛朗哥的统治，另一幅是描绘室内场景的线描，作品中出现了古希腊神话中的酒神和怪兽米诺陶，通过隐喻的手法揭示了自身的欲望。

出生于1890年的乔治·莫兰迪和比他大两岁的乔治·德·基里科均迷恋塞尚，从早期创作时的反复临仿到成熟期的另辟蹊径，为色彩与空间的表达拓宽了道路。莫兰迪画上的空间与众不同，他没有像毕加索那样解构画面，而是重新审视摆在面前的瓶瓶罐罐。他的画笔行走在二维与三维之间，兼具二维的单纯与三维的深邃，由此赋予它们平和的气息，宁静的力量。这样的空间安排与色彩气质，与文艺复兴早期大师乔托的壁画神似。莫兰迪的空间有意呈现出不确定性，留下了只属于他的美感烙印。

乌巴尔多·奥皮在1924年创作的《桑托斯皮里托的渔民们》也在向乔托壁画上的质朴美感靠拢。画面上一群健壮的渔民围住一名妇女，她高扬双臂，随着吉他的弹奏深情咏唱，画面热烈而肃穆。这位经历了第一次世界大战的画家努力回归秩序，回到传统的轨道上。当时意大利的艺术环境出现了重新走向现实主义的趋势，艺术家们将目光投向14-15世纪的古典主义传统，倡导一种感知、诠释日常生活的方式，但与传统的现实主义不同，画家往往从生活细节中寻找神奇或非同一般的场景。奥皮笔下的渔民像被定格在了舞台上，时间停止了，从而传达出一种奇特、魔幻的感觉。

菲利切·卡索拉蒂1927年创作的《医院》刻画了病床旁柜子上的摆设，他突显了几何造型的重要性，在色彩的处理上刻意形成黑与白的强烈对比。而一旁的莫兰迪，一幅风景，一幅静物，显得那么安静柔和。这位一辈子在博洛尼亚小城过着僧侣般生活的画家，在每一种原色中掺入一定比例他色，反复调试，使画面呈现出一层中性的调子，这样的色彩效果给观看者的情绪带来微妙的影响。莫里迪与卡索拉蒂的主要创作年代都在二十世纪上半叶，作品反差却如此巨大，世界记住了莫里迪，忘却了卡索拉蒂。

真正让人看不懂甚至接受不了的是莫兰迪的同胞基里科的画。画家说他只对揭示表象之下的象征意义感兴趣，自称采用“形而上”的绘画手法，他在画面中运用多种不同灭点的透视法，在地面上投射出不合逻辑的长长阴影，呼应着孤寂的建筑。橡皮手套、残缺的石膏像、成衣模特、儿童玩具、体育用品等无生命物体成为他特有的描画对象，暗喻人类社会的精神状况。这种非传统的运用多视点的构图方式，成功营造出一种神秘怪诞的空间氛围，对后来的超现实主义产生了重大影响。比利时的马格利特和西班牙的达利皆受到启发，马格利特有一幅《浴火的风景》到场，艳红的火苗形成火环，围着墨绿色的森林。

“看不懂”的当代艺术

真正将绘画带入抽象阶段的是俄罗斯的康定斯基、马列维奇和荷兰的蒙德里德。展厅中只来了康定斯基，有两幅小版画和一幅稍大些的布面油画。《成角的线条》上一根折叠的线条，划过大红的圆，构成点、线、面的联系，他致力于通过抽象形式引发直觉感受。至此，观众已走入彻底看不懂的现当代艺术领域。

第二次世界大战期间，许多欧洲艺术家为躲避战乱纷纷前往美国，西方艺术的中心由巴黎移至纽约，为新大陆带去了立体主义、达达主义、超现实主义；美国本土艺术家在此基础上发展出抽象表现主义、波普艺术等新的艺术理念与形式，又反哺旧大陆。法国哲学家萨特的“存在主义”哲学席卷整个欧洲思想界，艺术领域一片反形式主义的呼声，各国艺术家冲破形式的束缚，舍弃传统的绘画材料，凭借直觉进行了大量无主题的创作。意大利则产生了无形式艺术，与当时的罗马画派所代表的现实主义共同构成了两股主要的艺术潮流。

真正让人惊掉下巴的是二战后的两位意大利艺术家：封塔纳和布里。前者匪夷所思的行为是在画纸或画布上穿孔、打洞，或割破，他声称这是在消解作品内外的边界，创造一种新的空间。布里则几十年如一日地寻找纸与画布以外的材料进行创作，他用打火机灼烧塑料布，向观众展示烧痕；他用刀割破麻袋片，再用针线缝合；他从建筑工地上找回废弃铁皮，固定在画框上，切割出一道“伤口”。布里认为只有这样的创作才能使材料成为艺术的主体，发出自身的声音，不再做艺术家的道具。

艺术是人类精神生活的外化印迹，是人类文明进程的最直接体现。19世纪中后期，第二次工业革命的蓬勃兴起带动了科学技术迅速发展，社会思潮的重大变革，经济的全球化，导致西方社会的重大变化，人们的审美情趣向多元化发展。“百年无极”展为中国观众提供了一次了解西方现当代艺术多样面貌的机会，借此审视历史与社会变化的有机联系。